Sonne – The Liberated Light
Liberation from the “Curse of Description”
Since its inception, photography has been burdened with the destiny of “explanation”—a consequence of the lens’s physical nature to focus and capture subjects with clarity. From the moment the camera obscura projected vivid images onto walls, it became common sense for photography to explicitly show “what” is being captured. The evolution of autofocus has only reinforced this assumption of clarity as an absolute truth.
I seek to dismantle the outdated dichotomy that “photography is a record, while painting is an expression,” and instead, I interrogate the Ontology of Photography. My practice is not merely about shifting focus; it is an attempt to use the medium to capture the very “mass of light” itself.
From “Automatic Recognition” to “Somatic Perception”
In exchange for the convenience of instantly identifying a subject, we have been stripped of our imagination and raw emotion. The journey of perception ends the moment the brain categorizes the object. I employ “De-familiarization” (Verfremdungseffekt) to halt this automated cognition.
This is a ritual to pull the viewer’s consciousness away from the “external world” (the description of the subject) and back toward their own “inner sensations” (the reception of light and color). My work is not something to be seen only with the retina; it aims for a sensation—a full-body perceptual experience, as if being enveloped by particles of light.
Translating Spiritual Light and the Margin of Liminality
For me, the soft focus is not a veil to hide the world, but a conscious choice to extract “subtle truths”—the layering of light, the respiration of colors, and the atmospheric particles that are often drowned out by sharp imagery. Drifting within the liminality between the figurative and the abstract, or between photography and painting, I translate the invisible energy of light into visual poetry.
By deconstructing the “meaning” once monopolized by the photographer and returning the “power of feeling” to the viewer, a vast, light-filled margin (yohaku) is born. Within this space, the viewer’s internal memories and emotions resonate, restoring the “freedom of vision” to weave one’s own unique narrative.
On the Relationship with Uta Barth
While my work draws inspiration from Uta Barth, it departs from her conceptual and analytical framework to cultivate a distinct subjective lyricism.
Where Barth’s work often stays within the theory of vision, my practice reaches toward the viewer’s personal memory and bodily sensations. It is a “physical and material return to the medium of photography.” While I utilize her theoretical foundations as a tool, my ultimate objective lies beyond analysis—it is found in the “communion of souls”through the medium of light.
Sonne – The Liberated Light
「説明」という呪縛からの解放
写真は誕生以来、レンズが物理的にピントを結ぶ構造を持つ以上、被写体を鮮明に捉え「説明する」という宿命を背負わされてきました。カメラ・オブスクラが壁面に鮮明な像を映し出した瞬間から、写真は見る者に対し、何が写っているかを明示することを常識としてきたのです。オートフォーカスの機構も像は鮮明であることを自明してきました。私は「写真は記録であり、絵画は表現である」という古い二分法を壊し、写真の存在論（Ontology of Photography）を問い直します。私の試みは、単にピントを外すことではなく、写真というメディアを用いて「光そのものの質量」を定着させることにあります。
「自動的な認知」から「身体的な知覚」へ
私たちは、被写体を即座に判別できる便利さと引き換えに、対象に対する想像力や純粋な感情を奪われてきました。脳が被写体を特定した瞬間に、知覚の旅は終わってしまうからです。私はあえて具体的な物体を特定させない「異化効果（De-familiarization）」を用いることで、この自動化された認知を停止させます。それは、見る者の意識を「外の世界（被写体の説明）」から、自分自身の「内面の感覚（光や色の受容）」へと引き戻すための儀式です。私の作品は、網膜だけで見るものではなく、光の粒子に包まれるような、全身的な知覚体験（Sensation）を目指しています。
精神的な光の翻訳と、境界性（Liminality）が生む余白
私にとってアウトフォーカスは、世界を隠すためではなく、光の重なり、色の呼吸、空気の粒子といった、鮮明な像の中ではかき消されてしまう「微細な真実」を抽出するための選択です。具象と抽象、あるいは写真と絵画の間に存在する境界性（Liminality）を漂いながら、光という目に見えないエネルギーを、視覚的な詩へと翻訳します。
撮影者が独占していた「意味」を解体し、見る側に「感じる力」を差し戻すことで生まれる、光に満ちた広大な余白。その中では、見る者が自らの内なる記憶や感情と呼応し、自分だけの物語を紡ぎ出す「視覚の自由」が回復されるのです。
私の作品は、Uta Barthのコンセプチャルで分析的な視点とは異なる、独自の叙情性を生んでいます。それはBarthの「視覚の理論に閉じず、見る者の個人的な記憶や身体感覚に訴えかける力の強さ」、「写真というメディアの身体的・物質的な回帰」にありますBarthの理論をツールとして用いながらも、そこで終わることなく、最終的な目的を「魂の邂逅」に置いています。